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Passion et pouvoir au temps de la Renaissance
La nouvelle collection d'Alessandro Michele pour Gucci nous transporte au temps de la Renaissance, riche en nouveaux départs, où la mode est devenue une forme de communication sophistiquée. Elle évoque des détails historiques et les juxtapose à travers une interprétation contemporaine unique, jouant avec la symétrie et la structure, afin de créer une collection empreinte de force et d'esprit. Elizabeth Currie, maître de conférences associée au Central Saint Martins College of Art and Design et auteure de l'œuvre récemment publiée Fashion and Masculinity in Renaissance Florence, dévoile les secrets de la mode au temps de la Renaissance.
La mode étant à son apogée dans les cours de la Renaissance, les femmes d'influence veillaient à en faire une affaire résolument internationale. Pendant que Catherine de Médicis popularisait la mode italienne dans les cours françaises, les tailleurs d'Élisabeth Ire copiaient les motifs de l'étranger. Les femmes correspondaient d'un pays à l'autre afin de partager de nouvelles idées, en envoyant des poupées vêtues selon les dernières tendances, à titre d'inspiration. Pour les souveraines, telles que Catherine de Médicis et Élisabeth Ire, qui devaient négocier leur place dans un univers profondément masculin, leur image était le témoin ultime de leur autorité.
Ainsi, en 1586, la reine Élisabeth Ire a déclaré : « Nous les princes, je vous le dis, nous sommes placés sur la scène au vu et au su de tout le monde et nous sommes dûment observés ». La réputation se basait sur le fait de voir et d'être vu, à l'heure où les vêtements étaient le point de mire du spectacle de la cour. Silhouettes marquées, corsages ajustés, manches amples et épaules structurées sont autant de détails qui ont orné les looks d'Alessandro Michele lors du défilé. À la Renaissance, ceux-ci faisaient partie de l'armure qui augmentait la visibilité et l'autorité de la femme qui les porte. Non seulement Catherine de Médicis devait rivaliser avec les nombreuses maîtresses de son mari, mais elle a dû attendre dix ans avant de pouvoir donner un héritier au trône.
De son côté, Élisabeth Ire ne s'est jamais mariée mais en a ingénieusement fait une vertu, s'autoproclamant alors Reine vierge chaste et fidèle à son pays avant tout. La mode reflétait les opinions envers la fertilité et la sexualité. Avec ses nombreuses graines, le motif grenade, qui ornait nombre des luxueuses étoffes de soie italiennes, symbolisait la santé, la fécondité et la résurrection. Emblème de la pureté morale ou spirituelle, ainsi que de la propreté physique, les sarraus de lin blanc devaient être visibles en toutes circonstances. Les petits détails ruchés qui ornaient col et poignets n'ont cessé de se développer, pour finalement évoluer vers le volant emblématique. Parallèlement, les fourrures étaient parfois offertes en tant que cadeau de mariage, et on pensait même que les fourrures de marte parées de bijoux favorisaient la conception. Aperçue sur les bordures des vêtements, la fourrure invitait au contact et évoquait la sensualité. Le corps était tellement caché que les parties transitoires, telles que les chevilles, les poignets et les décolletés, assumait une charge sexuelle intense. Certains accessoires ont ainsi été créés pour dévoiler et cacher à la fois, tels que les collerettes semi-transparentes qui couvraient le décolleté et arboraient des motifs diamant en perles et fils métalliques.
Ces sublimes tenues étaient également agrémentées de dentelle impliquant une signification cachée. Les broderies racontaient des histoires et renfermaient parfois des messages politiques codés. Sur un célèbre portrait, Élisabeth Ire semble omnisciente, vêtue d'une cape ornée d'oreilles et d'yeux brodés. Elle porte alors des vêtements et bijoux parés de serpents, signe de sagesse. Les matières utilisées dans la mode possédaient leurs propres vertus. On pensait par exemple que les pierres qui sertissaient les bijoux, telles que le corail, avaient des pouvoirs talismaniques et de guérison. Hommes comme femmes portaient des vêtements rehaussés de perles. Ceux-ci étaient prisés non seulement pour leur éclatante beauté, mais également car le fait qu'elles soient produites à partir d'un morceau de terre, ce qui était de toute évidence un phénomène miraculeux, fascinait les imaginations de la Renaissance. Les connaissances en médecine et en anatomie de l'époque incitaient à briser les frontières entre les sexes.
La mode contribuait à souligner les différences ou à brouiller les limites entre hommes et femmes. Cette notion de fluidité des genres est subtilement évoquée dans la collection d'Alessandro Michele, qui applique de délicates broderies sur les vestes pour homme, ou tresse des fermetures à brandebourgs sur les robes pour femme. En portant ce genre de fermetures ornementales, inspirées des cafetans ottomans pour homme avant d'être intégrées dans les uniformes militaires, Élisabeth Ire affirmait avec plus de force avoir le cœur et le courage d'un roi. Les hommes, quant à eux, portaient parfois des étoffes de soie, des plumes et des ornements aux couleurs éclatantes, qui auraient pu être portés par une femme. Pour ôter cette idée, ils perfectionnaient l'art courtisan de la sprezzatura, une forme de nonchalance ou une apparence de facilité, indiquant que ce n'est pas simplement ce que vous portez qui importe, mais également la façon dont vous le portez.
Ainsi, en 1586, la reine Élisabeth Ire a déclaré : « Nous les princes, je vous le dis, nous sommes placés sur la scène au vu et au su de tout le monde et nous sommes dûment observés ». La réputation se basait sur le fait de voir et d'être vu, à l'heure où les vêtements étaient le point de mire du spectacle de la cour. Silhouettes marquées, corsages ajustés, manches amples et épaules structurées sont autant de détails qui ont orné les looks d'Alessandro Michele lors du défilé. À la Renaissance, ceux-ci faisaient partie de l'armure qui augmentait la visibilité et l'autorité de la femme qui les porte. Non seulement Catherine de Médicis devait rivaliser avec les nombreuses maîtresses de son mari, mais elle a dû attendre dix ans avant de pouvoir donner un héritier au trône.
De son côté, Élisabeth Ire ne s'est jamais mariée mais en a ingénieusement fait une vertu, s'autoproclamant alors Reine vierge chaste et fidèle à son pays avant tout. La mode reflétait les opinions envers la fertilité et la sexualité. Avec ses nombreuses graines, le motif grenade, qui ornait nombre des luxueuses étoffes de soie italiennes, symbolisait la santé, la fécondité et la résurrection. Emblème de la pureté morale ou spirituelle, ainsi que de la propreté physique, les sarraus de lin blanc devaient être visibles en toutes circonstances. Les petits détails ruchés qui ornaient col et poignets n'ont cessé de se développer, pour finalement évoluer vers le volant emblématique. Parallèlement, les fourrures étaient parfois offertes en tant que cadeau de mariage, et on pensait même que les fourrures de marte parées de bijoux favorisaient la conception. Aperçue sur les bordures des vêtements, la fourrure invitait au contact et évoquait la sensualité. Le corps était tellement caché que les parties transitoires, telles que les chevilles, les poignets et les décolletés, assumait une charge sexuelle intense. Certains accessoires ont ainsi été créés pour dévoiler et cacher à la fois, tels que les collerettes semi-transparentes qui couvraient le décolleté et arboraient des motifs diamant en perles et fils métalliques.
Ces sublimes tenues étaient également agrémentées de dentelle impliquant une signification cachée. Les broderies racontaient des histoires et renfermaient parfois des messages politiques codés. Sur un célèbre portrait, Élisabeth Ire semble omnisciente, vêtue d'une cape ornée d'oreilles et d'yeux brodés. Elle porte alors des vêtements et bijoux parés de serpents, signe de sagesse. Les matières utilisées dans la mode possédaient leurs propres vertus. On pensait par exemple que les pierres qui sertissaient les bijoux, telles que le corail, avaient des pouvoirs talismaniques et de guérison. Hommes comme femmes portaient des vêtements rehaussés de perles. Ceux-ci étaient prisés non seulement pour leur éclatante beauté, mais également car le fait qu'elles soient produites à partir d'un morceau de terre, ce qui était de toute évidence un phénomène miraculeux, fascinait les imaginations de la Renaissance. Les connaissances en médecine et en anatomie de l'époque incitaient à briser les frontières entre les sexes.
La mode contribuait à souligner les différences ou à brouiller les limites entre hommes et femmes. Cette notion de fluidité des genres est subtilement évoquée dans la collection d'Alessandro Michele, qui applique de délicates broderies sur les vestes pour homme, ou tresse des fermetures à brandebourgs sur les robes pour femme. En portant ce genre de fermetures ornementales, inspirées des cafetans ottomans pour homme avant d'être intégrées dans les uniformes militaires, Élisabeth Ire affirmait avec plus de force avoir le cœur et le courage d'un roi. Les hommes, quant à eux, portaient parfois des étoffes de soie, des plumes et des ornements aux couleurs éclatantes, qui auraient pu être portés par une femme. Pour ôter cette idée, ils perfectionnaient l'art courtisan de la sprezzatura, une forme de nonchalance ou une apparence de facilité, indiquant que ce n'est pas simplement ce que vous portez qui importe, mais également la façon dont vous le portez.
1. The Rainbow portrait of Queen Elizabeth I 1600-1602 In the collection of the Marquess of Salisbury. On display at Hatfield House.
2. Jewel Book of Duchess Anna von Bayern of Bavaria by Hans Mielich, 1552-1555. This unique manuscript is an inventory of the jewelry owned by Duke Albrecht V of Bavaria and his wife, Duchess Anna. The book contains 110 magnificent drawings by the Munich court painter Hans Mielich.
3. The ‘Phoenix’portrait. National Portrait Gallery.
4. Henry Howard Earl of Surrey at age 29, 1546. Author unknown. Attributed to William Scrots.
5. Portrait of Isabella de Medici, 1550 ca. Uffizi, Florence.
6.The Portrait of Eleonora of Toledo with her son Giovanni is an oil painting (115×96 cm) by Agnolo Bronzino, dating from 1545 and housed in the Uffizi Gallery in Florence.
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